GARY COOPER QUE ESTÁS EN LOS CIELOS

 El vivo reflejo de la vida de Pilar Miró. La protagonista, interpretada por Mercedes Sampietro, se replantea su vida cuando descubre que está al borde de la muerte tras un diagnóstico médico poco favorable por el que la tienen que operar de urgencia. Como no podía ser de otra manera, Andrea, nuestro personaje, trabaja en RTVE, donde se dejan ver los entresijos de una cadena pública con sus elitismos y sus secretos defectos. 

La película representa una mirada a la España de los 80, en pleno cambio y a medio camino de la destrucción de la sociedad franquista, Andrea, a pesar de venir de una buena familia, tiene comportamientos que no se adecúan a su clase, no cómo su madre, una señorona que vive en el centro de Madrid. 

El largometraje también supone el acceso a un género muy poco explotado en nuestro país, al menos en una faceta tan explícita como la del film, el autobiográfico.

Una de las mujeres más recordadas del cine español, que llegó a ser directora de RTVE y ganadora de un goya a mejor directora, sufría problemas cardiovasculares, que de hecho le llevaron a la muerte a los 57 años, y tuvo que ser intervenida a  corazón abierto en una época en la que la medicina no era tan prometedora como hoy en día. 

La película expresa las últimas reflexiones en el amor, la sociedad, la soledad y el feminismo de una mujer que no sabe si va a morir mañana, las reflexiones de Pilar Miró. 

Leer más

LOS SIETE SAMURAIS

 Kurosawa desarrolló su carrera artística como la mayoría de los primeros contribuyentes al cine mundial, tras la segunda guerra mundial, hecho que inevitablemente marcó a todos de una forma u otra. 

El propio Kurosawa, afirmó, como bien destacan en el programa de José Luis Garci (1995-2005), al recibir el León de Oro por Rashomon, que preferiría que se lo hubiesen dado como a Vittorio de Sica, por reflejar la realidad del Japón actual, como lo hizo el director mencionado con Italia. 

Sin duda alguna, otro hecho que marcó su trayectoria cinematográfica de forma negativa fue la llegada de la televisión con el consiguiente decaimiento del cine y la llegada de la new wave, en la que los autores más jóvenes, comenzaron a hacer otro tipo de cine y a criticar el cine hecho hasta el momento.

No obstante, Los siete samuráis, supone una de las películas más reconocidas e internacionales del autor, en el que se muestra la mezcla entre lo tradicional y lo moderno con una clara evocación al pasado. 

Tras una época de desesperanza para los pueblerinos y una intensa batalla, el anciano del pueblo y cuatro de los siete samuráis han perdido la vida, los bandidos, han sido derrotados, y los campesinos, los verdaderos ganadores, celebran la victoria. 

La batalla representaría la segunda guerra mundial, tras la que los ciudadanos japoneses se sentirían libres y aliviados al cesar el régimen totalitarista, el de los 13 bandidos. Los viejos poderes ven caerse a sí mismos, y a pesar de la incertidumbre el pueblo ha ganado y tienen esperanza. 

Todo este filme se desarrolla estéticamente con varios de los puntos clave que definen el cine de Kurosawa, la influencia de la pintura barroca, la mezcla de lo tradicional y lo moderno, y la influencia del western occidental. 

Leer más

ENTRE TINIEBLAS

 Una de las películas menos conocidas del director Manchego, Pedro Almodóvar, en el que critica a la Iglesia como una institución corrupta, tal y como haría años más tarde con La mala educación. 

Vistió de monja a sus actrices predilectas de por aquel entonces, Chus Lampreabe, Marisa Paredes y Carmen Maura, junto a Julieta Serrano, la madre superiora, una lesbiana heroinómana que dirige la orden de las redentoras. 

Almodóvar satiriza la penitencia cristiana a través de los nombres de las reclusas como sor Estiércol o Sor Víbora, e introduce la polémica existente en la religión católica por la cual un miembro de la Iglesia no puede casarse, haciendo que una de las novicias se enamore del párroco. 

No pasa tampoco desapercibido el tigre que guarda Carmen Maura con tanto celo en el patio, símbolo de lo reprimido, de lo salvaje dentro de algo aparentemente puro e inocente. 

La trama de la película se desarrolla cuando la madre superiora introduce a una cantante de boleros toxicómana para protegerla, y es allí donde descubre que su cuarto fue anteriormente ocupado por una chica muy parecida a ella que guarda un secreto. 

Todo ello con el convento a expensas de la financiación por parte de la madre de la antigua huésped desaparecida y el destino de todas las novicias en juego. 

Leer más

LADRÓN DE BICICLETAS

Uno de los clásicos más conocidos del neorrealismo, movimiento surgido en Italia tras la segunda guerra mundial que se caracteriza por intentar mostrar la realidad sin edulcoraciones conjugado con un paupérrimo presupuesto que obligo a los directores a abandonar los estudios de cine y adentrarse en el empleo de recursos externos. 

La película nos muestra como es la desdichada vida de los italianos en la posguerra, delincuencia, hambre, trabajo infantil, y una sociedad de clases aún definida. 

El protagonista consigue un empleo para el cual necesita una bicicleta. Tras vender algunas sábanas se hace con el vehículo, pero en su primer día de trabajo se la roban. El día siguiente se convertirá en un recorrido junto a su hijo por las calles de Roma en busca de la bicicleta. 

Al final, lleno de rabia e impotencia, nuestro personaje intenta usurpar una bici que estaba en la calle, pero es atrapado y humillado por la gente de las calles. Finalmente, le da la mano a su hijo como señal de igualdad, tras haberle tratado con desdén durante todo el filme. 

Leer más

VÉRTIGO

 Un hombre incapaz de superar el duelo por la pérdida de su amante, un tema recurrente en el universo de Hitchcock. Sin duda alguna, vértigo representa una de las películas más enigmáticas y completas del autor, con el acompañamiento musical de Bernard Herrmann y la actuación protagónica de James Stewart. 

John, un ex-policía con pavor a las alturas se enamora de una mujer que parece sufrir alucinaciones con el suicidio relacionadas con un fantasma del pasado. Cuando ella logra hacerlo al fin, John sufre pesadillas y vuelve a todos los lugares en los que compartió su amor con Madelaine, hasta que un día encuentra a una chica que se parece en extremo a su difunto amor, la que parece ser la clave para superar el duelo. 

El thriller de Hitchock de más de dos horas de duración consiguió llevarse la Concha de Plata del Festival de Cine de San Sebastián a mejor director e introducirse en el séptimo arte como una verdadera obra maestra. 

Leer más

REBECCA (1940)

 No solo es la película favorita de Sara Jessica Parker, sino también un clásico del cine de los más reconocidos de su director Alfred Hitchcock. 

Como no podía ser de otra forma el filme trata sobre uno de los temas predilectos del director inglés, el duelo por la muerte de un ser querido, como también podemos observar en Vértigo. El título de película hace referencia a un personaje que no interviene pero que está omnipresente durante todo el largometraje, la difunta esposa de Maximus de Winter. 

En Montecarlo, Max conoce a la joven que será la protagonista de la película, sin embargo, su nombre no se nos revela, haciendo mayor hincapié en la figura de la que fue un día la señora de Winter. Ambos se casan y se mudan al que fue el hogar marital, Manderly. Allí la ama de llaves, la señora Danvers, de aspecto fantasmagórico compara constantemente a la nueva señora de la casa con Rebecca. 

Todo se complica aún más cuando descubren el balandro naufragado en el que se haya el cuerpo de Rebeca, y ante la gran sorpresa de nuestra protagonista, Maxim le confiesa que la odiaba. ¿La habrá matado él? ¿Cómo sucedió todo? ¿Por qué detestaba Maxim a su esposa? Solo lo conoceréis viendo la película cuyo monólogo inicial acaba con la siguiente frase: "Nunca podremos volver a Manderly, esto es seguro, pero algunas veces, en mis sueños, vuelvo allí, a los extraños días de mi vida". 

Leer más

MADRES PARALELAS

 

La película está protagonizada por una de las actrices predilectas del director manchego, Penélope Cruz, junto con las veteranísimas Rossy de Palma y Julieta Serrano. La otra protagonista es la joven Milena Smit. No ha pasado desapercibida tampoco el cameo de Daniela Santiago, la actriz trans que interpretó a la Veneno en la serie homónima y que hacía de modelo para la cámara de Penélope que interpretaba el papel de Janis.

Aunque en principio los traílers y fotografías previas al estreno parecían indicar que el tema de la película se centraría en la maternidad, el foco se haya en la memoria histórica, o al menos cubre una parte importante de la película, y el director no ha tenido tapujos en mostrar de que bando está.

La estética en indiscutiblemente almodovareña, con sus cuadros, figuras y paredes de tonalidades y formas extrañas, que en conjunto forman una serie de planos armónicos y reconocibles. El vestuario también sigue las mismas líneas, con sus tonos rojos, rayas y combinaciones eclécticas.

Otros elementos característicos del director son la vuelta al pueblo con su ambientación tan folclórica, el humor costumbrista y los complejos arcos de los personajes.

La caracterización de todo el reparto es sublime, en especial la de Penélope Cruz, que es capaz de transmitir todos los matices de una madre confusa, triste, esperanzada, miedosa y complicada.

Una vez más, Almodóvar nos muestra tramas familiares que dejan secuelas en los personajes que se nos irán desgranando a lo largo de la película. Familias desestructuradas, poco convencionales y estrambóticas que nos dan un punto de vista diferente al modelo ideal al que estamos acostumbrados.

Sin embargo, aunque Almodóvar es uno de los mejores directores, no se puede decir lo mismo de su faceta como guionista, que haría temblar al mismo Mckee. La película se excede en el diálogo y lo explicitico, dejando muy poco espacio a lo visual y al subtexto, un rasgo bastante peculiar de sus melodramas que solo un cineasta de su talla puede permitirse. No obstante, como se suele decir, para gustos los colores, habrá gente que lo valore de forma positiva como un género más cercano al teatro y un rasgo identitario.

La escena final de la película supone una metáfora perfecta a la idea central y una ácida respuesta a la polémica que inunda el país desde hace décadas entre los que prefieren olvidar y los que prefieren justicia.

Leer más